Hitchcock era vegetariano

130 - La dama de hierro (Phyllida Lloyd)

2012-01-15T10:36:00.000-08:00

Sinopsis

La Dama de Hierro cuenta la apasionante historia de Margaret Thatcher, una mujer que rompió todas las barreras de género y clase para ser escuchada en un mundo dominado por hombres. La historia trata sobre el poder y el precio que se paga por él, en un retrato sorprendente e íntimo de una mujer extraordinaria y compleja.

Crítica

La controvertida figura de la conservadora Margareth Thatcher se queda coja, pero su adaptación al cuerpo de la actriz y el retrato de su demencia sobresale.

Es interesante la narración partiendo de su última etapa (actual, por cierto) acosada por los viejos recuerdos, que sirven de reminiscencia para transportarnos mediante ellos a sus "grandes éxitos y no tan éxitos".

El que se hayan incluido vídeos reales de la ex primera ministra (aunque siempre de espaldas), es un punto a su favor, junto a imágenes del bombardeo, de las manifestaciones, y la inclusión musical de algunos temas que en el momento diversos grupos ingleses dedicaron a su figura (aunque también nos parece injusto, que solo salgan los temas en su favor, y no aquellos que no la respaldaban y que fueron también muy sonados).

Aquí llega el momento álgido de la crítica: Meryl Streep. Es increíble como esta mujer se ha ido apdaptando durante su carrera a tantos y diversos papeles, destacando este por su complejidad y riesgo. No creemos que se trate de una caricatura; no vemos momentos risibles, patéticos, o que induzcan a una risa sardónica. La caracterizacion es magnífica, tanto, que a veces la perfección de sus arrugas superaban al guión.

Así, el único y eficiente reclamo del film tiene nombre propio, en este caso la de los puentes.

Y sobre la música, como ya quedó dicho en la crítica de Moon, coger el mismo tema para el tráiler principal para dos películas totalmente diferentes, no es "nuestra taza de té".

Por último, respetco al guión, hemos de decir que, aunque la película quiera ser neutral, dejando aparte de crítica la buena recreacion de su demencia y la empatia que con ello conlleva, creemos que se inclina un poco mas hacia el elogio de su politica en lugar de resaltar mas su decadencia.

Además, que no entra demasiado en temas políticos, al menos no indaga en ellos. Creemos que hubiera sido mas interesante un biopic totalmente objetivo, o más subjetivo, que analizara más, aun posicionándose en un lado político determinado. Sin embargo, tampoco lo consideramos un biopic fracasado. Un seis para la de Mamma Mía.

God save the Meryl

David Uclés y Alberto del Castillo

129 - Moon (Duncan Jones)

2012-01-04T09:17:00.000-08:00

Sinopsis

Un futuro no muy lejano. Un astronauta (Sam Rockwell) viveaislado durante tres años en una excavación minera de la Luna. Cuando sucontrato está a punto de expirar, descubre un terrible secreto que leconcierne.

Crítica

Cuandosupe que el hijo de David Bowie se había estrenado en este mundillo con unapelícula casi sin presupuesto y sobre ciencia ficción, no me atrajo demasiadoel verla. Sin embargo, tras ser premiada en Sitges, festival al cual cada vezmás le sigo la pista, por su originalidad/versatilidad en sus premios, ygustándome la ciencia ficción, sobre todo la que transcurre en el espacio,decidí verla.

Fue delo mejor que pude hacer este año, aunque no date de 2011. Quizás con la que másdisfruté de todas las que vi. Toda una perla que no deberían perderse losseguidores de este arte ficticio (además de intentar seguirle la pista al noveldirector, quien quiere hacer una precuela y secuela a esta).

Mantieneel riguroso minimalismo en escena y ambientación que por ejemplo la afamada Solaris,junto con la intriga de Sunshine (una blockbuster que me encantó).

Ladoble actuación del personaje principal (interpretado por Sam Rockwell) convencedel todo, llegando a poder imaginarse a ambos personajes como personastotalmente distintas, no sólo en su personalidad, sino también en su estética ymanera de moverse.

El quela cinta no sobrepásela hora y media se agradece, pues no hay abuso de escenasabsurdas ni de efectismo tonto y de derroche; únicamente hay acción simple,comprensiva, ágil e interesante. Conforme va avanzando el film, la intriga vasubiendo, hasta que se llega a la comprensión de lo que realmente sucede, y sudesenlace.

Respectoa la música, genial la canción principal de Clint Mansell, aunque es una penaque también fuera usada para el Trailer del biopic de Thatcher. Hay temas quesólo deberían poder asociarse a una película, y no mezclar ambientaciones.

A pesarde no tener un final abierto, que sí principio, aplaudo la idea de querer hacerademás de una precuela, su secuela; lo espero con ansia.

DavidUclés

128 - La habitación del hijo (Nanni Moretti)

2011-12-29T05:22:00.000-08:00

Sinopsis:

En una pequeña ciudad del Norte de Italia, vive apaciblemente una familia formada por los padres (Giovanni y Paola) y dos hijos adolescentes: Irene, la mayor, y Andrea, el pequeño. Giovanni es psicoanalista. En su consulta, situada al lado de su apartamento, sus pacientes le confían sus neurosis, que contrastan con la calma de su propia existencia. Su vida se rige por una serie de costumbres o aficiones: leer, escuchar música, aislarse y agotarse haciendo largas carreras por la ciudad. Un domingo por la mañana, un paciente llama a Giovanni por una urgencia. No puede salir a correr con su hijo tal y como le había propuesto; Andrea sale a bucear con sus amigos, pero no volverá.

Crítica:

Lo malo de los premios es que te condicionan a veces tanto o más que una buena reseña; que esta película ganara la palma de oro y el premio FIPRESCI tuvo dos consecuencias claras: que viera la película, puesto que ni el argumento ni el tráiler me atraían demasiado, y que temiera no ser objetivo y no poder defender una crítica negativa sin contemplaciones (tener voz propia).

Al final me gustó la película, y no tuve que enfrentarme a absurdas defensas de porqué me parece algo malo cuando ha ganado en Cannes. Sin embargo, siento que algo le faltaba para ser una obra maestra, aunque de verdad que no sé qué es… Por ello, me gustaría intentar dedicar esta crítica al porqué Moretti en vez de quedarse con mi 10, se quedó con mi 8.

Para empezar, supongo que yo podría haber quitado un tanto de felicidad a la “familia súper feliz de la muerte”.

Esa figura del padre que no protege, sino que mima y empalaga, con ese hijo que sonríe incondicionalmente, aparentemente falto de personalidad y de, digamos “vidilla”… No sé, la ambientación de la familia me parece demasiado “Cuéntame”. Quizás existan familias así; pero como no es mi caso, quizás por ello no sentí demasiada cercanía a ellos, me refiero antes del drama, claro.

Después del drama mi empatía aumenta, y me veo más reflejado. Es entonces cuando la película más me interesa, cuando en la figura del padre (quien por cierto es el propio director quien hace de actor principal a la vez, lo cual aplaudo y felicito) comienza a verse la ausencia de su hijo, el desequilibrio de su familia.

En esto me emocionó la película, a partir del fallecimiento. Creo que después de Up, ninguna me había entristecido a tan pocos minutos de haber empezado.

Por otro lado, la fotografía es más blanquecina e insulsa que la misma cara de Moretti. No es horrible, es insulsa. Supongo que fue esa su intención, pues quería transmitir naturalidad, lo cual consigue estupendamente, llegándome a creer los vínculos entre los familiares, como si estuviera viendo una serie donde ya los conociese de antemano (a pesar de que se trate de un modelo de familia lejano al mío). Sin embargo, mi cine favorito es aquel donde la imagen juega un papel fundamental; y en este caso, es puro albedrío.

Mención aparte el jugoso humor negro con que Moretti crea algunas escenas, y desarrolla a su personaje, además de los grotescos personajes que acuden a su terapia. En ese sentido a veces me hizo soltar la carcajada (como en la escena en la iglesia), y ansío por ver una comedia suya.

Para terminar, me encuentro con un final algo débil y Miss Sunshine, quitando el que la escena final ocurra en una playa, lo cual me gusta, y le da un cierre bonito a la historia.

En fin, muy buena película, pero que le faltó un poco para el clímax, y no precisamente por la historia, sino por el cómo.

David Uclés

I Premios del blog "Hitchcockeravegetariano" Participad!

2011-12-27T06:57:00.005-08:00

Ya están aquí los primeros premios del blog; hemos seleccionado el equipo de críticos aquellas películas que bajo estas categorías más nos impactaron. Nos gustaría que entre todos eligiérais de cada categoría una, esperando con esto sacar la mejor película del 2011, tanto en categoría como individual. Para ello, hemos habilitado un sistema de votación a la izquierda, a modo de encuesta. Muchas gracias,

Mejor película de cine social:

a) Nader y Simin, una separación
b) Le Havre

Mejor película europea:

a) Alps (Grecia)
b) Pina (Alemania)

Mejor película de un director casi-novel:

a) Shame
b) Winter's bone

Mejor película metafísica:

a) El árbol de la vida
b) Melancholia

Mejor película más esperada:

a) Restless
b) La Piel que Habito

Mejor comedia:

a) Beginners
b) Scream 4

Mejor blockbuster:

a) Cisne negro
b) Contagio

127 - La vida de los otros (Florian Henckel von Donnerschmack)

2011-12-26T07:03:00.000-08:00

Sinopsis

República Democrática Alemana, año 1984. El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), un hombre solitario, es un competente oficial del servicio de inteligencia y espionaje de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la RDA. Pero, cuando le encomiendan que espíe a la pareja formada por el prestigioso escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedenk), no puede ni siquiera imaginar hasta qué punto esa misión va a influir en su concepción de la vida y del mundo.

Crítica

Lástima que después de esta maravillosa adaptación cinematográfica, el director volviera cuatro años más tarde con su “The Tourist”, simplona e invertebrada. Sin embargo, este hecho no afecta a esta película ganadora como mejor film extranjero en casi todos los premios del panorama en 2006 (más de 50, entre los se premió tanto la película y el guión, original en este caso, como la actuación de Ulrich).

Y es que además de mantenerse la intriga en cada momento, y despertar el interés por ver en primera persona de qué manera la Stasi desarrollaba sus interrogatorios y procedimientos, y cómo los intelectuales de la época luchaban contra su propia vida para poder denunciar el trato injusto que recibían por el régimen de la RDA, la ambientación hace que todo sea más verosímil y atractivo.

Los periódicos del Frankfurt Allgemeine, o las ediciones de “Der Spiegel” del momento; los coches nada contaminados por la industria americana, la sobriedad en las calles, y el miedo en los ojos de los estudiantes al estar sometidos en una continua censura… el contexto parece perfectamente creado. Tanto es así, que intelectuales que disidieron en su momento, como el cantautor Wolf Biermann, llegaron a decir que la película era un total reflejo de lo que ellos vivieron.

Además, el despliegue de referencias culturales, como la lectura de una de las obras de Brecht, la escena de la sonata del hombre bueno, la grabación del rodaje en teatros originales del este de Berlín, y las citas de Gorky, Lenin, y Beethoven, con su sonata nº 23 entre otros, hacen de esta película un sabroso bocado cultural.

La interpretación de Ulrich es desmesurada… aguarda en todo momento sus emociones fuera de la percepción del espectador, manteniendo un rostro firme y conciso, el cual emana desconcierto al intentar el espectador averiguar qué camino tomarán sus pasos… Hay dos escenas claves para él en el film; una de ellas cuando escucha la sonata del hombre bueno, y la otra en la escena del ascensor, genuina.

Como anécdota, el equipo de la película no pudo rodar en la antigua prisión de la Stasi, ya que el superior a cargo de la institución alegó que no estaba a favor de colaborar en una historia que nunca ocurrió, ficción, ya que según él, jamás ninguno de sus capitanes ayudó de alguna manera al bando en aquel momento enemigo o sospechoso de disidencia.

Sin más, quienes quieran una historia algo más real e interesante políticamente que la otra muy afamada “Good-bye Lenin”, sobre la caída del muro, y más aún sobre los últimos años de las dos Alemanias (principalmente de la RDA), véanla y disfruten.

David Uclés

6º Corto (El sueño de Red - John Lasseter)

2011-12-25T12:01:00.000-08:00

El tercer corto de Pixar tiene a un monociclo como protagonista, abandonado en una tienda de bicicletas. Nos cuenta un divertido sueño en el que él es la estrella de un espectáculo frente a su dueño. Sigue mostrándonos a un Pixar todavía en idea, como algo pequeño. Las formas son demasiado bruscas y rígidas, y no hay la plasticidad realista que tanto les identifica. Además el monociclo recuerda demasiado a Luxo, el famoso flexo de el corto anterior.

Alberto

126 - Grizzly man (Werner Herzog)

2011-12-23T17:24:00.000-08:00

Sinopsis

Entre 1990 y 2003, Timothy Treadwell, camarero, actor ocasional y ex-alcohólico, pasó catorce veranos conviviendo con los osos grizzly. Él mismo grabó con su cámara de vídeo sus estancias en Alaska y su obsesiva relación con los plantígrados (unas cien horas). Werner Herzog usó parte de este material. El último verano, uno de los osos atacó a Timothy y a su novia Annie.

Crítica

La historia de un insensato que ni con la destreza de Herzog se salva de su estupidez

Hay películas con las cuales me gustaría saltarme esa barrera de respeto, y usar algún calificativo un tanto menos respetuoso. Con esta me ocurre algo así.

Soy de los que cree que para que una película sea buena, tienes que sentirte maravillado justo al terminar de verla, y no dejarse influenciar por las críticas posteriores de la red o por las interpretaciones paralelas que leíste o que tu amigo te comentó. Si sigo esta norma, esta película es malísima. Y no es que no sintiera nada al terminar la película, es que desde los últimos 30 minutos sentía ya un enorme aburrimiento y pesadez.

Hace unos días expuse esto a un amigo; él me comentaba que tenía que valorar el esfuerzo del director, el cual hizo de unas cintas de vídeo que eran ajenas a él, un documental con las imágenes mismas reales, el cual parecía por momentos una película. En el momento le reconocí a mi amigo que llevaba razón, sin embargo, he vuelto a cambiar de opinión. Y es que el metraje en sí fue grabado originalmente a modo de película-aventura en primera persona, con lo cual que pareciera una película y no un documental no era difícil, ya que el mismo protagonista (atontado y vulgarmente "flipado") así lo quiso.

¿y sabéis qué es lo que más me cabrea? Quizás penséis que el hecho de que el hombrecillo de los osos fuera un incomprendido traumatizado haciendo el gandul constantemente, quien no supo saber exteriorizar sus sentimientos correctamente de ira e incomprensión hacia la sociedad durante su juventud-madurez, y decidió hacerlo molestando a unos animales que hasta el momento habían disfrutado de su hábitat tranquilamente. Pues no, eso no es lo que me molestó. Eso me aburrió, y me hizo sentir vergüenza ajena y pena por los osos.

Lo que realmente me ofuscó (lo cual también compartió mi compañero de butaca, Antonio) es que Herzog, quien no suele salir en sus documentales, actuara en una escena, saliendo de perfil en la cámara, y mostrando una actitud del todo provocativa, morbosa, y absurda (teniendo en cuenta sus numerosas y buenas obras) al escuchar las grabaciones y “emocionarse”, dedicando quizás una de las peores y más populistas escenas del cine a la amiga del “hombre oso”.

En fin. Seré tajante: si quieren morbo, no la vean, pues no se ve cómo se lo comen los osos; si quieren arte, la fotografía es interesante, pero échenle paciencia con la actitud del que fue devorado; y si trabajan en Green Peace, son biólogos, o se ofuscan ante una muestra clara de maltrato animal (puesto que hasta el mismo Herzog en voz en off llega a afirmar que existe una incomodidad en los osos respecto a la presencia del humano) no la vean. Evítenla.

David Uclés

125 - Falso culpable (Alfred Hitchcock)

2011-12-20T12:08:00.000-08:00

Sinopsis

Manny es un músico de jazz neoyorkino que vive apaciblemente con su esposa Rose y sus dos hijos pequeños. En su visita a una aseguradora, una empleada le confunde con un ladrón que había robado allí unos días antes y lo denuncia a la policía. A partir de ese momento comienza para él una angustiosa pesadilla: es detenido y acusado de una serie de hurtos perpetrados en el barrio. Lo terrible es que todos los testigos y las pruebas caligráficas corroboran su culpabilidad. Tras salir bajo fianza, intentará demostrar su inocencia. Mientras tanto, su esposa sufre una aguda crisis nerviosa y es internada en un psiquiátrico.

Crítica

"No es oro todo lo que reluce, ni increíble todo lo del vegetariano"

Como siempre, nos encontramos frente a uno de esos productos cuyo título nos es otra cosa que la ausencia de una traducción fiel. En este caso, en lugar de traducir “The wrong man” por “El hombre erróneo”, por ejemplo, se decidió traducirlo por “falso culpable”, lo cual queda más estético, pero irrumpe en mitad del argumento, delatándose connotaciones que debieran permanecer en silencio.

Hitchcock supo cómo decorar las filmotecas con todo el legado que nos dejó, sobre todo con aquel que rodó en blanco y negro. Esto es un punto a su favor, que en raras ocasiones no es digno de mención; me refiero a su fotografía, a la música que acompaña a los efectos caseros pero efectistas de su cámara, y a su infatigable búsqueda del suspense y esencia misma. Por ello, esta no es una película mala.

Ver una de sus películas es como viajar al pasado, y no sólo eso, sino a otro mundo, a un mundo al cual no podremos volver jamás. Las calles de sus ambientaciones son geniales, auténticas, y hoy día nada queda de aquello, de ese clima de los años 20 a los 70 que nos dejó.

En este caso, nos encontramos con uno de sus más mediocres filmes. La trama es del todo fácil y obvia, en la que para más inri existe algún que otro as en la manga del director para salir de un apuro o puesta en escena, como ocurre cuando los viejos se rebelan contra el ladrón. Es del todo inverosímil el enfrentamiento entre alguien joven y corpulento y un viejecito asustado.

También peca de absurdo el guión con la trama de la mujer, cuando ingresa en ese psiquiátrico, hecho que veo exagerado al no haber existencia alguna de un trauma en mayúsculas. De esta parte del film resaltaría la mirada y sonrisa macabras de la enfermera, y cómo acaba la historia de la mujer, lo cual no diré respetando a quienes quieran verla, pero sí diré que me resultó chocante, quizás demasiado histriónico para el conjunto.

Otro aspecto que no me gustó en absoluto es que Hitchcock apareciera al principio intentando aumentar la intriga a los espectadores, pues algunos podrían con las expectativas llevarse un fiasco, como me pasó a mí. Con psicosis se dejó llevar, y salieron cosas mejores. La leyenda nace, no se hace, y mucho menos se fuerza.

Respecto a la técnica, el efecto que usa dando vueltas al objetivo de la cámara simplemente me maravilló. Ahí es donde vi a Alfred 100%. Efectos como esos por muy cutres que se quieran ver, no llegarán a serlo, y si no se usan en la actualidad es por miedo a quedar desfasado. Pero a mí me encantó, me encantó que las manos del director con su movimiento formaran parte del momento.

El decorado y la ambientación son buenas: la cárcel, los interiores, el hospital… sin embargo, todo es tan aburrido como falto de astucia y de entretenimiento. Todo es gri, feo. Las interpretaciones se salvan, sobre todo la de él.

Conclusión; aburre, y no dice nada. No la vean en la filmoteca, a no ser que sean forofos del mago del suspense. Sí la ven como película de sobremesa mejor…

David Uclés

124 - Restless (Gus Van Sant)

2011-12-15T03:58:00.000-08:00

Sinopsis:

Narra la historia de amor de una joven pareja. Ella (Mia Wasikowska) es una enferma terminal que se enamora de un chico (Henry Hopper) al que le gusta asistir a funerales. Ambos se encontrarán además con el fantasma de un piloto kamikaze japonés (Ryo Kase) de la II Guerra Mundial.

Crítica:

La última y desprestigiada película del genial Gus Van Sant es un delicada drama cómico absolutamente irresistible.

La técnica de Gus Van Sant sigue adelante. Tras su fama en los noventa con Good Will Hunting, y su muy bien recibida tetralogía sobre la muerte, con Gerry, Elephant, Last Days y Paranoid Park, así como vuelta al cine comercial, aunque no por ello malo, con Milk, ahora llega Restless, estrenada en la sección Une Certaine Regard en Cannes. O sea, esperábamos que siguiese la senda de Elephant, esos planos largos y quietos en los que suena de fondo Elliott Smith y nos aburrimos un poco, porque es arte.

Pero no. Tampoco significa que vuelva con el cine extremadamente comercial como Milk, no. Restless tiene un comercial aunque no haya nadie en las salas, pero al mismo tiempo busca depurar nuevas formas. Si antes era una pasión por los planos larguísimos, ahora es exactamente lo contrario, en tres planos te dice que la protagonista le quedan tres meses de vida. A parte, sumémosle los saltos de eje a lo Von Trier y fallos de raccord constantes, y tenemos una peli fresca y divertida.

Sí, divertida. Aunque nos cuente un dramón, te sonríes mientras la ves. Está dominada por los diálogos, le da un toque ágil y fresco. Es una película muy americana, desde los créditos mismos, pero al mismo tiempo tiene un aire muy Novelle Vague. A destacar al actor, tremendamente guapo, Henry Hooper, hijo de Dennis Hooper, y un clon de James Blake. Tan clon que a veces es inevitable pensar que el cantante es el que actúa, muy bien.

Mención especial merece la banda sonora, que tiene la misma calidez que el ‘Miss Missery’ de Elliott Smith que tocó en los Oscars. Todo sigue esa línea de guitarras acústicas y voces que tiemblan. Suenan temas de Sufjan Stevens, y el cierre con Nico al final es increíble.

La película es completamente adolescente, y por ello, el tema que trata lo hace desde una perspectiva más superficial que pongamos, Beginners, otra película estrenada en España este año y que es el reverso adulto de este tema tan complicado. Si la otra (a pesar de tener también componentes muy cómicos) es más seria,

Restless es más desenfadada.

Alberto del Castillo

5º Corto - (Las aventuras de André y Wally B.)

2011-12-13T04:11:00.000-08:00

El primer corto del creador de Pixar, John Lasseter, anterior al imprescindible Luxo, Jr. que puso logo a la compañía de animación más importante. Sus inicios con colores muy fuertes, y formas demasiado geométricas, y digamos, artificiales, contrastan con el nivel extremadamente detallista de Toy Story 3, por ejemplo. Una historia simple, que no alcanza el nivel de Luxo Jr. pero que es ante todo, curioso de ver como en este primer corto nace Pixar.

Alberto

123 - Un dios salvaje (Roman Polanski)

2011-12-11T05:04:00.000-08:00

Sinopsis

Adaptación de la obra teatral homónima de la autora francesa Yasmina Reza. Ha sido rodada en Europa, pero la historia se desarrolla en Nueva York. En la obra original, los protagonistas son dos matrimonios que se reúnen, en principio de manera civilizada, para hablar de la reciente pelea que han tenido sus hijos en un parque. Pero el encuentro se complicará hasta límites insospechados.

Crítica

Fresca, inteligente, mordaz; “El ángel Exterminador” del Zelig del cine actual

Este hombre es un genio. Denota inteligencia en cada una de sus obras, de sus guiones perfectos (adaptados o no), y sabe cómo no aburrir al espectador. Para niños, de intriga, bélicas, misteriosas, sensuales, de aventura, de terror (resaltando su trilogía de apartamentos, sin duda su mejor obra), y ahora una cómica. Polanski sabe y puede hacer películas, sabe hacer buen cine. Es el Zelig que Allen creó, el cual va de género en género pero sin ensuciarse por el camino.

Algunos de vosotros pensaréis también en Spielberg como director lo-hago-todo. Pero no se confundan. El espíritu en Spielberg es puramente americano, ya sabéis, con estrellitas y pósters de Washington en sus créditos, y con esos finales tan felices y perfectos que siempre me llevan a la náusea. Por el contrario, Polanski mantiene su sello, y creo que piensa menos en su público que el de Parque Jurásico, hecho que alabo y condecoro con mis más simples pero vehementes palabras aquí. (Para los que acaban de leerme por primera vez, si sois de los que tienen un orgasmo con John Williams, mejor no sigáis haciéndolo, o podré herir vuestro erótico gusto)

Un dios salvaje, Carnage (título original).¿Habéis visto “El ángel Exterminador” de Buñuel?. Para aquellos que no, en la cinta se representa a un grupo de burgueses que se ven impedidos a abandonar la mansión donde han celebrado una cena, por fuerzas misteriosas que no logran esclarecer. Pues bien, esta película (recordemos que no es un guión original, pues se trata de la adaptación de la obra teatral de Yasmina, la cual fue interpretada por el ojito izquierdo de Haneke, Isabelle Huppert) mantiene esa esencia; parecen no querer abandonar la discusión, y con ello el apartamento.

Si observamos la película desde fuera (sin empatizar demasiado), veremos que el razonamiento por el cual discuten los dos matrimonios es absurdo (pero divertido).

Sé que “divertido” es una palabra de preescolar, pero es que ese es el término, la pureza del film. No voy a resaltar los aspectos técnicos o poéticos visualmente, puesto que, aunque los hubiera, centrarse en ellos menospreciaría la atención que requieren las interpretaciones, y por ende, el guión. Únicamente resaltar la ambientación, cómo poco a poco va anocheciendo sin apenas ser esto captado por el espectador, yendo esto al compás de la degradación de los personajes).

Los actores están sublimes. Incluso llegué a aborrecer a Foster, habiendo elegido la película por ella (una de mis actrices favoritas) al creerme tanto al personaje (al cual verdaderamente sí que aborrezco, al no soportar que exteriorizara todo en tono de contrariedad). Por otro lado, de los cuatro mi favorito es el bonachón de Reilly (muy bueno en “Mandrágora”). Geniales sus frases como “Nacemos solos y morimos solos” y su “soy un H.P. vestido de liberal” (momento que me recordó muchísimo a J.R. Machuca ^^). Chapó.

Supongo que la interpretación no fue nada fácil, pues toda la película es una larga secuencia sin pausa (aunque sí que las habría), y la versatilidad con la que estos actores se adaptan a esta obra tan dramatúrgica es espectacular.

Por cierto, ¿y la banda sonora? Bien es cierto que la canción de Desplat es genial, sobretodo la parte de la percusión, pero, sino me equivoco, sólo la escuché en la introducción. ¿Merece la pena su nominación a los Óscars? La respuesta es sí, puesto que los Óscars son un sancocho de mucho cuidado y poca personalidad.

Para quienes se decidan a verla, disfruten con esta fresca y amena situación en la que casi tanta importancia como los personajes la tendrán el cubo, el vómito, y el secador.

David

4º Corto - (Meshes of the afternoon)

2011-12-10T07:38:00.000-08:00

Antes de todo, quisiéramos dar la bienvenida a Sara, quien se incorpora a nuestro equipo de colaboradores, y quien comienza presentándonos a esta artista "Maya Deren" a través de uno de sus cortometrajes.

Bienvenida Sara,

Hitchcock.

Comentario del cortometraje

Nacida durante la revolución Rusa, Maya Deren (Eleanora Derenkowsky) estudió periodismo y se intereso especialmente por las vertientes del pensamiento Junguiano: antropología, poesía y danza. De familia Judía huyó de su país natal para emigrar a Nueva York, donde conoció a un cineasta checo que la introdujo en el mundo de la cinematografía. Más tarde conoció a una antropóloga y coreógrafa que la llevó a interesarse profundamente por la danza y la expresión corporal. A pesar de estas influencias fue capaz de crear algo nuevo, revolucionario y muy personal.

Maya Deren es considerada la pionera de la video danza y del experimental, sus producciones han sido definidas como poemas visuales o sueños proyectados en imágenes. Sus marcas de distinción son el uso de la cámara lenta, planos subjetivos y de sutiles movimientos, lo cual facilita al público la visión de sus inquietudes y sentimientos más profundos.

Lo que hoy os presentamos aquí es su primera obra con fecha aproximada del 1943 que reúne toda la esencia de la autora:

"Meshes of the afternoon" (visión de atardecer), protagonizada y dirigida por ella y el checo Alexander Hammid.

Que lo disfrutéis,

Sara

122 – Anticristo (Lars von Trier) - 2 Interpretaciones

2011-12-09T08:21:00.000-08:00

Sinopsis

Un psicólogo, que quiere ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, donde ella pasó el último verano con el niño. Sin embargo, la terapia no funciona, y tanto ella como la naturaleza empiezan a comportarse de un modo extraño.

Crítica

“En este caso, la crítica está hecha por Alberto y por David, quienes coinciden en los aspectos técnicos, pero no en la interpretación. Por ello, al final de la crítica general, se expondrán las dos interpretaciones diferentes”

Un 7, aunque tiene momentos de 9, pero también otros de 3. A Melancolía se le dio un 9, porque se consideró que utilizó la misma técnica que es este film, bella y poética, pero puliéndola, quitando efectos que desentonan.

Lars von Trier reúne con esta y con su posterior dos películas maravillosas. Ha empezado un ciclo en el que el misterio, la interpretación y la belleza visual juegan el papel más importante del film, por encima del factor sorpresa, como se diera en su trilogía de América, o del factor ultra emotivo, en su Rompiendo las olas o Bailando en la Oscuridad.

Para nosotros, este director se encuentra entre Haneke y Tarkovski (a quien precisamente le dedica esta obra, grata sorpresa). Al austríaco por la capacidad que tiene de explotar un sentimiento y compartirlo, y al soviético, por su virtuosismo con la imagen, sobretodo mediante sus últimos argumentos tan simbólicos como factibles a interpretar (huyendo la acción del surrealismo).

La imagen es simplemente maravillosa: por sus planos, los efectos de cámara híper lenta, las metáforas que se crean visualmente, los primeros minutos del prólogo, rodados en un blanco y negro impecable, escena que en sí es una obra maestra… Además, la banda sonora cumple e hipnotiza. Cumple en el prólogo con lo emotivo e hipnotiza a continuación a lo largo del film manteniendo el suspense e incluso recreando en el espectador parte de la ansiedad de los protagonistas.

Sin embargo, creemos que no alcanzó la perfección en esta película por algunos recursos mal empleados (los cuales no los repitió en Melancolía). Nombraremos abajo algunos ejemplos:

*La introducción de fotogramas ocultos que sólo son captados por el subconsciente. Queda del todo obsoleto; efecto que debía haberse quedado en aquellos anuncios de Coca-cola o en El Exorcista.

*El que un animal hable. “Chaos reigns” llega a decir el zorro. Ridículo. Se puede ser más explícito y menos patético.

*El “efecto Movie Maker”, como lo hemos llamado. Consiste en el momento en el que la imagen parece derretirse, creándose ondas en la pantalla, como si todo fuera de gelatina. Penoso. La risa más sardónica nos salió al unísono a Alberto y a mí.

*El echar mano de un recurso barato. Nos referimos al recurso de encontrar la llave-destornillador justo en el momento en que la necesitaba, únicamente siguiendo unas señales facilonas y un suelo poco impermeable. Totalmente americanada.

Así pues, antes de comentar nuestras sendas interpretaciones, y de explicar el porqué de de una bifurcación, queríamos aclarar que es por estas cuatro características expuestas anteriormente, además de por algún descontento más, por lo que no podemos regalarle a este buen director una puntuación mejor.

1ª Interpretación; “Racional” por Alberto del Castillo

En el final de Anticristo vemos como mujeres sin rostro acuden a abrazar al protagonista, Willem Dafoe. Una de la posibles interpretaciones que podemos hacer de esto es que van a arroparlo por haber terminado con la naturaleza demoníaca y malvada de la mujer, representada por el personaje de Charlotte Gainsbourg.

Ella, tras preparar una tesis sobre asesinatos históricos por ser mujer, acaba obsesionada con que la mujer tiene una naturaleza malvada. Es por ello que tortura a su hijo, y cuando ve que éste cae, disfruta con placer (tiene un org., vamos). Esa parte irracional, digamos demoníaca, se instaura en ella y dirige una parte de sus actos. Él comprende esto tras ver la tesis de su mujer, escondida en la parte superior de la cabaña, y llega un momento que debe enfrentarse no a su mujer, sino a una representación del anticristo.

Es ese el final que puede dar algo de sentido a una película que entra en declive a partir del animal parlante. Cuando la fantasía se vuelve más presente y enmaraña una película que hasta el momento era notable, pero que entre tanto animal y mutilación gratuita se acaba convirtiendo en mediocre.

2ª Interpretación; “Hembrista” por David Uclés

Basándome en la descripción del final que hizo Alberto, mi interpretación difiere de la suya en que creo que dichas mujeres sin rostro llegan para atormentar a Dafoe.

Antes de desarrollar esta idea diré que no me privaré de hacer uso de la imaginación, ya que el hecho de que aparezcan cientos de mujeres subiendo por un monte hacia él se aleja de los límites racionales.

Pues bien, el personaje de Charlotte es un ser totalmente enfermo, y no usaré tecnicismos psicológicos más que el de “esquizofrenia” (lo cual lo baso en que denoto en ella una doble personalidad, la cual no recuerda aspectos de su bipolaridad, al no recordar por ejemplo dónde había metido la llave de paso). Su locura quién sabe cuándo empezó. Probablemente su psicopatía se debe a que necesita sentirse acompañada, y cuando descubrió que su pequeño comenzaba a andar y a alejarse de ella, pues le cambió los zapatos para que no pudiera “bajo su percepción enferma” huir de ella”.

Después de que el niño tuviera deformes los pies, se cayó por la ventana. Este es el punto sobre la i que hace que ella enferme del todo; quizás porque supo que por su culpa se calló, al tener sus pies deformes, o porque la visión que a posteriori tiene sobre su hijo cayendo y ella viéndolo fue real, y no un fruto de su tortura psicológica, habiendo permitido entonces que el niño muriera.

Trier usa entonces elementos de la naturaleza para representarlo, como el ciervo con la cría, el pájaro grande que se come al pequeño, o la mitología que ella misma se inventa a partir de un juego de su niño (véase la imagen de abajo), en la que los tres mendigos representarían los tres reyes magos opuestos, los que llevan su presencia al no-nacimiento.

A raíz de esto la mujer deja fluir su locura, rompe el límite de la racionalidad, y arremete contra su marido toda su impotencia y locura.

Y ahora comentaré el aspecto que difiere de la interpretación del Alberto. Yo no creo que las mujeres de la última escena vayan a darle un abrazo, al contrario, van a atormentarle por haber matado a una mujer. Con ello Trier querría denunciar el hembrismo tonto y absurdo que sufre la sociedad, hembrismo que se da cuando una mujer castiga a un hombre por matar a una mujer, aun habiendo sido por defensa propia, y no por su género.

121 - Posesión (Andrzej Zulawski)

2011-12-07T10:02:00.000-08:00

Sinopsis

Berlín, antes de la caída del muro. Cuando Marc regresa de un viaje encuentra a su esposa Anna cambiada, muy nerviosa y perturbada. Por fin, le confiesa que tiene una aventura y lo abandona. Marc cae en una terrible depresión que lo lleva casi al borde de la locura. Unas semanas después, el detective privado que contrata para que siga a Anna, es salvajemente asesinado. La verdad sobre la aventura secreta de Anna se revelará monstruosa.

Crítica

Drama entre lo ridículo, la ansiedad, y lo histriónico; entre Lynch y Kiewloski

De Lynch, las incógnitas que deja sin revelar, y con ello la opción a una libre interpretación, como por ejemplo, la niebla que no nos permite sacar en claro el comienzo de la relación de ella con el monstruo (aunque metafóricamente podamos encontrarle sentido, ver abajo spoilers)

De Kieslowski, el color azul, que recuerda a su primera parte de su trilogía (aunque esta fuera posterior), y el uso de escenarios fríos y urbanos (como la grabación en el metro, en Tres Colores Blanco y en esta cinta).

Me anima saber que existen más directores como Lynch, esta vez polaco, que nos permitan jugar en la interpretación de sus obras. Comúnmente denominada como cinta de terror, yo le añadiría “psicológico”, puesto que quedarse únicamente en la superficie del terror sería una pena en este caso. Aparte, surrealista, incomprendida, súper currada y bella.

La historia nos muestra lo peor de las relaciones de amor, de lo conyugal; en este caso esforzarse por intentar sacar un claro causante de la situación es una pérdida de tiempo, puesto que el director prefiere mostrar el resultado de ese malestar que, aunque se crea que no, siempre suele ser recíproco.

Que la película se ambiente en la Berlín del muro tiene un gran peso, exactamente en la parte occidental (gracias, lata de Coca-cola). La ambientación en una ciudad dividida sirve como metáfora de las dos partes de un vínculo, de los dos actores.

Respecto a las interpretaciones, Sam Neill está genial, bastante atractivo, y da miedo con lentillas negras. Los secundarios cumplen con su papel, menos el que hace de “amante”, que aparece en su primera escena vestido de blanco. ¿Se puede ser más afeminado? Este es uno de los puntos incongruentes del film, que analizo más abajo hablando de lo ridículo en la película.

Sin embargo, la interpretación más exuberante de todas es la de Isabelle Adjani, ganadora y merecedora del Cannes a mejor interpretación femenina por este papel. Se deja la piel, y encima interpreta dos papeles diferentes. Sus brotes psicóticos-posesiones son tan creíbles como estremecedoras. En todo momento tuve miedo de que se pudiera hacer daño, con la voz y sus movimientos. Brillante; la película merece la pena sólo por verla. Además, me atrevería a decir que es la mejor actriz que interpretó la mejor escena jamás rodada en un metro, por encima de Bellucci en Irreversible.

Estéticamente el film cumple en mayúsculas. La fotografía es bella, los decorados singulares y variados, en cualquier caso fríos. Y la técnica es personal: esos movimientos de cámara son tan originales como excelentes; nada que ver con los del Polanski de su época, lleno de zooms y mareosos movimientos fugaces.

La banda sonora no estorba, y el póster (que aunque parezca broma citarlo, hace mucho, pues a mí fue quien primero me llamó a ver la película) es una obra de arte por sí solo.

Para terminar, antes de dar mi interpretación del argumento, citaré algunos de los momentos claves del film, aquellos que quedan para el recuerdo:

*Escena en el metro. (Lástima que por poco no fuera en su totalidad un solo plano secuencia)

*Escena en la cocina.

*Momento en el que ella chilla en la calle, y la sangre le chorrea.

*Escena en la iglesia

Y ahora una última lista sobre las escenas que hacen que esta película me parezca que contiene un tanto de ridículo:

*El movimiento de las sillas giratorias en la oficina

*La mecedora quién es la tercera persona en el triángulo de la relación.

*La patética persecución del espía

*Los plátanos

En fin, una película poco conocida, pero a la altura de cualquiera de Lynch, y con escenas para el recuerdo.

Habrá que seguir viendo la obra del polaco.

Interpretación (spoiler)

Sin darle muchas vueltas al argumento; la mujer entra en contacto con un ser infernal, al cual no sólo le va proporcionando cuerpos humanos para que se nutra y se desarrolle, sino que también le ofrece su sexo y hace el amor varias veces, hasta incluso tener un aborto suyo. Es a partir de ese encuentro cuando ella empieza a cambiar, a obsesionarse, a ser poseída. Cuando su marido llega de viaje comienza poco a poco a investigar y a darse cuenta de todo. Tal es el amor que él tiene a su mujer, que incluso se pone de su lado, y le ayuda. Al final, ese engendro infernal se nutre de las víctimas necesarias, y toma el aspecto del marido (supongo que porque contaba con matarle el último), como hace en el film.

Cuando se une un ser humano con uno infernal, puede surgir el anticristo, el superhombre, y así ocurre en el film. Por eso se suicida el niño al final, por miedo a lo que sabe que vendrá. Después suenan alarmas que podrían avisar de una catástrofe nuclear.

David Uclés

120 - El ciempiés humano (Tom Six)

2011-12-04T06:07:00.000-08:00

Sinopsis:

Dos chicas americanas que viajan a través de Europa tienen una avería en el coche en mitad de unos bosques en Alemania. Buscando ayuda llegan a una casa aislada y, al día siguiente, despiertan atrapadas en un tétrico sótano de un hospital junto a un hombre japonés. Poco después descubren que están en manos de un siniestro médico, un alemán de avanzada edad que anteriormente era un cirujano especializado en separar a gemelos siameses. Sin embargo, para ellos tiene otro escatológico plan, en los límites de lo imaginable...

Crítica:

Estamos ante una trilogía no ligada entre personajes, sí por un argumento desagradable y escatológico. Para quien nunca oyera hablar de este invento, lo resumiré de forma clara y concisa. Se trata de un producto de terror en el que el mayor miedo procede de la idea de que alguien te rapte (tipo Hostel) y cuando despiertes tengas tu boca cosida al ano de otra persona, formando una cadena de conductos, de varias personas.

Normalmente le es costoso al ser humano aceptar que, por antonomasia, es un ser “morboso”. Nos afecta el morbo, y nos agrada. Nos interesa saber cuántos y cómo cuando hay una guerra o una catástrofe, o exactamente cómo ocurre un asesinato del todo escandaloso. Sin embargo, no es un morbo natural el que rodea al argumento de esta película, sino un morbo que deviene de un fetiche sexual por parte del espectador que la aclama. ¿Acaso es la primera vez que escuchasteis acerca de la relación agradable que algunos encuentran entre lo escatológico y el sexo? Me apuesto una mano que el director (aparte de sus más forofos fanes) es uno de ellos.

Por ello, si nunca buscaste algo así en la red, y tu curiosidad no fue más allá de tus límites sensibles, esta no es una película para ti, como tampoco lo fue para mí, la cual la rebobiné constantemente, tardando en verla aproximadamente unos 18 minutos.

Discurriendo un poco más acerca de esta primera y principal parte, la única que vi, pese a que la segunda también está disponible, tiene un atractivo comienzo, tomándola como una película de intriga que va a resultar gore, pero imaginándonos a priori que va a ser de color rojo, y no marrón.

Sin embargo, en el momento en el que se rompe esa intriga del principio, y el protagonista tiene a sus polluelos totalmente maniatados, comienza la fantasía morboso-sexual-escatológica más aberrante, abominable y absurda que jamás vi filmada.

Todo es absurdo. Una vez que el director ha roto la estética, ya nada me interesa, ni si viene gente a la ayuda de los raptados, de si escapan o no, o de si hay arrepentimiento por parte del enfermo o no. Todo me da igual, y la rebobino tranquilamente hasta el final, el cual carece de perspectiva y de gusto; insulso, tonto y olvidable.

Parece que el director, que tanto bombo se da a sí mismo, y que quiere mediante el efecto del blanco y negro (en su segunda parte, según leí) y cuatro cuadros decorativos del todo “post-modernos” ser considerado como un buen director con gusto, no sabe qué hacer con la cámara una vez que el público llega al final de su película buscando algo más que asco.

En fin, en resumen, me cuesta creer que sea una película mala, creo que, quitando el final, resulta del todo acertante, siempre y cuando el espectador sea como el director, ni mejor ni peor persona que yo, pero con un fetiche que jamás compartiría.

Sólo una pequeña apreciación más; jamás veré la segunda o tercera parte, pero siendo justos, el argumento de la segunda parte es mucho más atractivo… La idea de un depravado mental que se obsesiona con una película (en este caso con la primera parte), e intenta hacer él lo que el actor hace, además, rodado en blanco y negro (supongo será menos asqueroso, aunque no más “cool” por ello, que es lo que sin duda el director querría oír) la encuentro más interesante; aún así, aún no tengo ningún fetiche escatológico, Gott sei Danke, y no la veré.

David Uclés

119 - Crimen y Castigo (Lev Kulidzhanov)

2011-12-01T13:12:00.000-08:00

Sinopsis:

Adaptación de la famosa novela de Dostoievski. Rodion Raskolnikov, un estudiante de San Petersburgo sin recursos económicos pero con síntomas de megalomanía, asesina a una usurera a la que considera una lacra social. Tras cometer el crimen, su vida se debate entre el amor que ha despertado en él Sonia, una joven prostituta, y el peso de los remordimientos que lo igualan al resto de los mortales...

Crítica:

Es genial que la adaptación de la novela, en este caso, sea rusa. Es simplemente una maravillosa creación, fría, inquietante, me atrevería a decir la obra por el momento que más se asemeja a su original. Ya estaba harto de películas americanas sobre esta piedra angular de Dostoievski, tantas y tantas recargadas de decorado, de inútil palabrería y ornamentos al estilo rococo-sissi emperatriz. Esta sí, señores, es una fiel y atractiva adaptación. Y ahora veremos por qué:

La música no es su principal fuerte, pero no descarrila al film. No lo enaltece, pero se mantiene en ese lugar entre la sencillez y necesidad. Genial, nada estridente ni esperpéntica.

Una de las condiciones que la película debía cumplir 100%, aparte del guión, que parece un calco del original (algunas frases conforme las escuchaba parecía como si las leyera) era la interpretación de sus actores.

Y esta resulta totalmente genuina y creíble. El actor principal, con su mirada solitaria, su rostro perturbado pero cercano al mismo tiempo, su risa en momentos claves, su pose y su altura, borda el papel, aparte de esa inquietante voz grave y algo queda que tiene. Eso sí, habría sido mejor alguien más joven, por eso de estar estudiando aún

Respecto al restante elenco de secundarios, perfectos: las mujeres son perfectas, muy bien retratadas. Quizás a la madre le falte un poco de esa amargura continua con la que tan bien solía abrumarme.

Técnicamente es el mejor lecho que el libro pudo imaginar. En blanco negro, dando un toque elegante y sobriedad al decorado, participando entonces el inmueble de la lectura al mismo tiempo.

Por otro lado, resaltar la inclusión de sueños y pesadillas, tal y como cuando la madre habla con él mientras este lee la carta. Esas escenas para la época del rodaje son geniales, simples, baratas y precursoras de parte de nuestro cine actual.

Y es que hasta lo pequeño del libro sale aquí. El peso de las campanadas del reloj de la vieja, las escuchas de los personajes, las tramas ya no secundarias, sino terciarias… por ello el director necesitó de tres horas de metraje, dividió el film en dos partes, pues no podía ser de otro modo.

Por otro lado, comentar dos aspectos importantes: el asesinato y el final. Respecto al asesinato, no es implícito, aunque sí se enfoca la sangre… esto recuerda mucho a Hitchcock, y a las películas de terror de los setenta, o de Polanski, con ese suspenses y técnicamente con los zooms súper exagerados…

Y respecto al final, pues que se queda cojo. No viene el famoso epílogo. Sin embargo, al tratarse justamente de eso, de un anexo, creo que no intercede demasiado para la comprensión del film.

Como broche, mi escena favorita, y la más compleja osaría decir: el momento de la mirada delatadora, entre Sonia y él.

Disfruten de este libro, para quienes no lo leyeron, y de la película para quienes quieren ver esta fantástica historia fielmente retratada.

David

118 - Melancholia (Lars von Trier)

2011-11-19T05:24:00.000-08:00

Sinopsis

Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgård) celebran su boda con una suntuosa fiesta en casa de su hermana (Charlotte Gainsbourg) y su cuñado (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra...

Crítica

“La película que Tarkovski hubiera querido hacer; conozcan la melancolía”

Maravillosa obra de arte del ya conocido por sus increíbles y emotivas obras, Lars von Trier. El film, va más allá de querer mostrar una historia de ciencia ficción, y usando esta como metáfora, ejerce de maestra de la melancolía, de cómo esta se ve desde dentro, y desde fuera de la persona; y esto lo hace de una forma genuina y perfecta.

Me atrevería a decir que esta obra es una obra coral, algo así como una santísima Trinidad: el padre es Schopenhauer, el hijo es Wagner, y el espíritu santo Tarkovski. ¿Y por qué estos tres y no otros, si artistas pesimistas y melancólicos hay cientos?

*Schopenhauer, porque es el padre de la asimilación de nuestro papel en la tierra como inútil, y doloroso, marcando en su filosofía la diferencia por primera vez con otros autores, tras decir que no es el hombre el foco de la maldad humana, sino la tierra, porque, y ahora sí cito a Trier, “la tierra es cruel”.

*Wagner, porque sin él no habría “Melancholia”. No es imaginable con otra música, esta le va perfecta. Sorprende cómo la pieza tiene un carácter del todo contemporánea. Los grandes genios van siempre por delante. Hablando de la música, de camino exaltaré el papel del silencio en el film, junto con ese efecto de graves, procedentes del planeta que se acerca. Inquietante.

*Tarkovski, y este sí que requiere de mi atención. Hará unos años que un compañero de clase me habló de este director soviético como un profeta, como un Kubrick con mucho más contenido, y totalmente subjetivo aunque premeditado. Fue entonces cuando vi su última obra, “Sacrificio”, y entonces me aburrió y la quité. Con el tiempo la he llegado a saborear, y supongo que cuanto más viejo sea, más podré sacarle al film. Fue enontonces cuando mepuse su Solaris y su Espejo. Tarkovski me pareció toda una experiencia, y empecé entonces a considerarlo como uno de los pilares firmes del cine “metafísico”, entre “Bergman”, “Buñuel”, “Kiewloski” y “Kubrick”, y como el más influyente en dos de los directores más dotados actuales: “Trier” y “Malick”.

No quiero enfocar la crítica al ruso, pero es necesario mirar hacia atrás para conocer lo que tenemos. Pues bien, si el argumento ya me recordaba a Tarkovski, antes de ver el film, cuál fue mi sorpresa al encontrarme en la intro de Melancholia la famosa imagen de su obra maestra “Solaris”: “Los cazadores en la nieve”, de Brueghel el viejo. Con este gesto de Trier ya anticipé el carácter que tendría el film, y de qué forma tan acertada enfocaría la melancolía.

Otra apreciación bastante singular es que esta película junto con la de Malick, “El árbol de la vida”, estaban juntas en el Festival de Cannes en competición por la Palma de Oro. Es curioso, ya que ambos films son el reflejo opuesto del otro, y al ser opuestas se atraen, y rozan un parecido asombroso. Sin embargo, yo veo totalmente injusto que la palma se la llevara Malick, cuando Melancholia es mucho más fuerte, mejor construída, y apta para todas las interpretaciones del público, desde el más inocente hasta el que se tiene por erudito. Sin embargo, en el árbol de Malick sobra mucho, y falta otro tanto de orden y equilibrio en la reflexión.

La cara triste de la moneda, pero real y no enfundada: Melancolía.

La cara esperanzadora del chelín, pero confusa y nada demostrable: El árbol de la vida

Centrándome ahora sí de pleno en la película, quisiera resaltar el esfuerzo creativo y de montaje de Trier, para conseguir naturalizarnos ambas dos realidades opuestas; la primera parte del film, con un toque de comedia sublime, en la que la figura de la melancólica no se entiende desde el enfoque del “hombre social algo más alejado de la reflexión”, y en la cual vemos a Kirsten como a una extraña, intentando analizar el porqué de su tristeza, cuando simplemente no lo hay. Para mí esta primera parte simboliza la “representación” de Schopenhauer, el mundo que no existe, que es sólo la percepción empírica basada el principio de causalidad.

Por el contrario, en la segunda parte del film nos adentramos en “la cosa en sí” de Kant, en la voluntad de “Schopenhauer”… salimos por decirlo de alguna manera de la “caverna” de Platón, y nos encontramos con lo que el hombre es en realidad, nada. Está solo, y tiene que aprender a aceptarlo, como Justine bien hace, aunque no esté de acuerdo en su tono a veces, demasiado frío, cuando frialdad y melancolía no debieran siempre ir de la mano.

Terminaré esta larga crítica nombrando algunas de los detalles que serían buenos conocer de antemano para disfrutar más del film.

Por un lado (pese a los comentarios en la rueda de prensa por parte de director, a los cuales no me remitiré por no entrar en el juego de la polémica que tanto le gusta) la inclusión de la estrella de David en el globo, y el comentario de Kirsten hacia el pastel de “carne”, que dice sabe a “ceniza”, hacen un guiño por un lado al mundo frágil de las religiones, y por otro al holocausto.

También encontramos símbolos perdidos y frases igualmente confusas cuando hacen referencia a los 18 hoyos de un campo de golf, y al principio se enfoca a Charlotte corriendo junto al núm. 19.

Por otro lado, es necesario saber que el rol protagonista de Justine fue creado (y por ende casi al película) para Penélope Cruz, la cual dijo que no por rodar “Piratas del Caribe”… Estas son cosas, señores, de las que me avergüenzo.

Y sí, si se preguntan si hay algo negativo en la película, les diré que sí; Para mí, la ambientación… es preciosa, lo sé, pero estoy un poco cansado de las representaciones burguesas… encontrar la belleza en la simpleza es también todo un arte, y no siempre el alma burguesa es la más corrompida; cualquier hogar tiene sus más y sus menos, su reflejo proporcionado del mundo.

Así pues, vayan al cine, antes de que la quiten, porque, como el Árbol de la Vida, merece la pena que estas metafísicas del séptimo arte te envuelvan en sonido, luz, y tranquilidad.

David Uclés

117 - Alps (Giorgos Lanthimos)

2011-11-17T04:15:00.000-08:00

Sinopsis

Esta es la historia de una enfermera nocturna de hospital que provee sus peculiares servicios a las familias que han perdido a sus seres queridos. Es parte de un grupo llamado Alps, cuyos miembros ofrecen, a cambio de previo pago, reemplazar a los muertos en la vida diaria de estas familias.

Crítica

Alps es la segunda película del director de la premiada Canino, Yorgos Lanthimos, ese cabecilla del nuevo cine griego que también tiene conexiones con películas griegas como Attenberg, cuya actriz principal también aparece aquí. Premiada con el mejor guión en el festival de Venecia, su historia es sin duda lo mejor de la película. Un grupo de personas tienen una empresa que consiste en actuar como lo harían personas ya fallecidas, de modo que una anciana los contrata para que actúen como una amiga ya muerta, por ejemplo. Evidentemente, esto degenera en escenas absolutamente divertidas, pero lo bueno es que no se queda sólo en eso, pues tiene un trasfondo dramático que no existía en Canino. Yorgos Lanthimos intenta hacer un filme más serio sobre un tema más trascendental, como es la muerte.

Técnicamente, destacan bastante esos planos completamente desenfocados a excepción de pequeñas esquinas de la pantalla, con un resultado realmente bueno. Siempre aparecen los personajes principales perfectamente enfocados, mientras que los escenarios y a veces otros actores que aparecen en pantalla no logramos verlos, no son importantes, tan sólo cuentan los miembros de Alps, que por cierto, cada uno se hace llamar como una montaña de los Alpes, tipo Mont Blanc.

Es imposible que Yorgos Lanthimos vuelva a hacer una película del nivel de Canino, pero partiendo de ahí, este Alps convence absolutamente. Las dosis de humor siguen presentes, también los momentos de surrealismo absoluto, tampoco fallan los actores… Alps es una buena continuación a Canino, puede que este cambio de registro choque a primera vista, pero con el paso del tiempo, la imagen que se queda de Alps va mejorando. Eso sí, absténganse los haters de los finales abiertos.

Alberto del Castillo

116 - Magnolia (Paul Thomas Anderson)

2011-11-15T05:45:00.000-08:00

Sinopsis

La película consta de nueve tramas paralelas que tienen lugar en el Valle de San Fernando, en Los Angeles: un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo. Son historias aparentemente independientes, pero que guardan entre sí una extraña relación.

Crítica

Magnolia, o la flor de pétalos distintos que bifurcan hacia un centro común de doble filo; la casualidad y el perdón.

Hacía tiempo que quería ver algo de este director de nombre tan americano, ya que sus últimos dos films tienen sendas portadas magníficas, de color fuego. Sin embargo, cuando me recomendaron el film (varios amigos) no supe que se trataba de uno de Paul Thomas.

Ahora, abusando de la subjetividad de la que un buen crítico no debería abusar, lo suelto: “Me ha encantado”; a pesar de sus tres largas horas de metraje, lo cual la hacen un monstrometraje, me pareció que durara apenas hora y media, e incluso habría querido que no acabara aún. La película te envuelve en la acción durante un día de varios personajes, desde que amanece hasta la madrugada. No te deja levantarte del sofá.

A diferencia de “Las horas”, la cual también narra la historia de un día y de varios personajes aunque en distinta épocas, Magnolia no ofrece descanso, y por ello casi no cesa la banda sonora en todo momento, desarticulándose un despliegue de temas que incitan al bullicio y a la acción (hablando de una acción física, que no bélica), y a que el espectador se intrigue por lo que va a acontecer.

Por otro lado, en esta ocasión, sí que se ha de hacer uso de la típica frase “esta peli no sería nada sin sus actores”, puesto que todos bordan los personajes… Cruise está genial, quizás en su mejor papel: consigue inquietarte con su tintineo y emocionarte en un momento clave (para nada esperado); Moore lo borda, siempre con esa naturalidad intrínseca a ella, (idiosincrasia propia de la actriz) y consigue transmitirte la desesperación de una mujer atormentada.

Y es que “atormentados” están todos, cada cual por su situación, mentira, pasado, trauma, sensibilidad, arrepentimiento… pero todos girando en torno al perdón.

Y, sin duda mi favorito, Philip Seymour (aunque poco a poco su atractivo estético va transformándose en grasa y “subcarne”) ya que los demás, aunque no sean precisamente secundarios, debido al carácter coral del reparto, para mi tienen un papel más insignificante respecto a estos tres grandes (quitando a Wlilliam H. Macy, quien hace de homosexual traumatizado, quien hace que sienta la vergüenza ajena que en su personaje tristemente reside).

Como punto destacable del film, el momento de las ranas/sapos. Dios mío… No quiero contaros qué ocurre con estos animales, pero estoy seguro que se sorprenderán gratamente, pues se encuentran frente a una de las escenas más tremendas del cine.

Así pues, sin extenderme más, ya que la película de por sí es larga, aconsejo que la vean fervientemente, una noche de viernes/sábado que no salgan, y disfruten uniendo los puntos en común de los personajes, tanto físico-espaciales como sentimentales.

David

SEFF´11 / Último día: 114.Finisterrae 115.Red heart

2011-11-12T17:38:00.000-08:00

Para cerrar el festival escogemos dos películas de directores noveles, Finisterrae y Red Heart. Ha sido una semana de cine sin parar. Muchas películas a olvidar, pero otras muchas que han destacado por su calidad. Shame, Shun Li And The Poet y Si no nosotros, ¿quién?, serían las mejores películas que hemos tenido opción de un total de veinticuatro. Ya solo queda esperar hasta el año que viene. Mención aparte de la nueva película del director de Canino, Alps, de la cual en días posteriores habrá una reseña completa, y no dentro del especial Festival.

114 - Finisterrae (Sergio Caballero)

Sinopsis:

"Finisterrae" narra la historia de dos fantasmas que hartos de transitar en el territorio de las penumbras, deciden realizar el Camino de Santiago hasta el fin del mundo (Finisterre) para una vez allí, empezar una etapa terrenal y efímera en el mundo de los vivos. Un recorrido introspectivo por territorios inhóspitos en el que se encontrarán con seres extraños, animales salvajes y personajes surrealistas. Deberán sortear situaciones inesperadas, lidiar con sus propias tensiones y debatir con las dudas de su condición fantasmal.

Crítica:

Finisterrae es en realidad una película promocional del festival Sónar. En el año 2010 la imagen publicitaria del festival la formaban unos ojos blancos sobre un fondo negro, colores invertidos de los ojos de los dos fantasmas de esta película experimental. Grabada sin guión y posteriormente buscado los hilos para unir las imágenes en forma de historia, durante una hora y media seguimos a dos fantasmas que quieren dejar de ser fantasmas y convertirse en seres vivos. Por momentos hilarante y por otros tediosa, a veces llega a carecer de sentido, y parece que juega demasiado a la pretensión sabiendo que no es nada seria. Es por eso que esta película no se puede ver de manera seria, sino que ha de hacerse desde el humor.

115 - Red Heart (Halkawt Mustafa)

Sinopsis:

Tras la muerte de su madre, la joven de 19 años Shiri descubre los planes de su padre de cambiarla por una nueva esposa. Incapaz de aceptar este destino, escapa de la gran ciudad con su novio secreto. Cuando éste es arrestado, se verá forzada a hacer frente a los peligros y desafíos de la vida en solitario.

Crítica:

Red Heart es la última película que veíamos del festival trata al igual que Love In The Medina el tema del amor en el mundo islámico. La película nos presenta a una pareja de amantes que se ve separada cuando la chica tiene que contraer matrimonio por conveniencia a pesar de su rechazo, es entonces cuando escapan en moto de sus familias. La película como tal no es nada del otro mundo, bastante mediocre, aunque algo dura, pues sufre de esa enfermedad extraña del “todo lo malo que pueda pasar, pasará aún peor”. No la mejor guinda del pastel del festival, aunque también ha habido bastantes películas que hayan dejado frío.

Alberto del Castillo

SEFF´11 / Día 6: 110.Shame 111.Code blue 112.Love in the medina 113.The island

2011-11-11T12:19:00.000-08:00

110 -Shame (Stewve Mcqueen)

Sinopsis:

Brandon (Michael Fassbender) es un treintañero de Nueva York con serios problemas para controlar y disfrutar su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y teniendo contactos con solteras en Manhattan... Nuevo trabajo de McQueen -que repite con Fassbender- tras su aclamada ópera prima "Hunger". El argumento está enfocado a "examinar la naturaleza de la necesidad, de cómo los humanos vivimos nuestras vidas y reaccionamos ante las experiencias que marcan nuestro camino".

Crítica:

Completamente abarrotada, Shame era una de las películas más esperadas de todo el festival, con todas las proyecciones agotadas. El segundo filme de Steve McQueen convence desde el primer minuto, con un Michael Fassbender monumental que traslada el aislamiento del personaje de forma perfecta. La historia gira en torno a un enfermo del sexo, y digo enfermo porque no puede parar un instante sin dejar de pensar en sexo, ya sea con cualquiera en el metro o en el trabajo viendo porno. Una película muy explícita que se va desarrollando con ritmo. A destacar el momento concierto, especialmente bello.

111 - Code Blue (Urszula Antoniak)

Sinopsis:

Marian trabaja en un hospital situado en la imprecisa frontera entre la vida y la muerte. La enfermera, con los cuarenta cumplidos, se dedica a los enfermos terminales y los moribundos, procurándoles a menudo el último contacto con un cuerpo vivo. Incluso llega a ayudar a sus pacientes enviándoles a la tranquilidad de la muerte. Para ella, la muerte es el supremo momento de intimidad. Marian lleva una vida solitaria fuera del hospital. A veces, sus sentimientos reprimidos hacen que se aleje de la rutina establecida. Un buen día, conoce a un extraño en el autobús, le sigue instintivamente y empieza a fantasear con él. Cuando vuelve a ver al hombre, comparte con él de forma involuntaria un acto de voyeurismo. Al principio siente rechazo, luego, fascinación y miedo. Ante la fragilidad de estas nuevas emociones, Marian se da cuenta de que debe dejarse llevar por sus necesidades humanas, incluso si debe pagar un precio por esa intimidad.

Crítica:

La segunda del día pertenecía a la sección oficial, Code Blue, sobre una enfermera que va matando a los enfermos terminales y les da su último contacto, la película perfecta para poner imágenes al ‘Sonic Nurse’ de Sonic Youth . Lo que busca es mantener incómodo al espectador durante la hora y media que dura, y lo consigue, a base de imágenes frías y momentos de absoluto asco. Bastante explícita y extraña, no se llega a comprender qué es lo que intenta transmitir más allá del abandono del personaje principal. La sensación que se queda es la de gratuidad y pérdida de tiempo. Podíamos vivir sin ella y no necesitábamos muchas de las imágenes que aparecen.

112 - Love in the medina (Abdelhaï Laraki)

Sinopsis:

En la medina de Casablanca, el joven Thami se enfrenta a la cólera de su padre, el conservador Adel, heredero de una larga tradición familiar de abogados coranistas, para dedicarse a la profesión que realmente le gusta, la de carnicero. Mientras trabaja con la carne, descubre otra pasión prohibida, las mujeres, y el amor con Zineb. Un viaje iniciático, la búsqueda de la libertad. El amor de Thami y Zineb es una auténtica revolución en un Marruecos en pleno proceso de cambio.

Crítica:

La tercera, también de la secció oficial es una interesante historia de amor áraba que sucede en Marruecos. El hijo de un imán, se enamora de una chica casada y tienen un romance. Tiene toques pintorescos, como no podría ser de otro modo, aunque la película caiga a veces en tópicos. Tiene una parte de crítica a las tradiciones de matrimonios pactados que si es interesante. A pesar de todo, la película parece demasiado teatral a veces. Bien sin más.

113 - The island (Kamen Kalev)

Sinopsis:

Una pareja (Casta y Lindhardt) llega a una pequeña isla búlgara, frente a la costa del Mar Negro, con la intención de disfrutar tranquilamente de unos días de vacaciones. Poca gente vive en el archipiélago. Entre los habitantes, Irina y Pavel, un maduro matrimonio que se convierte en la principal razón para que el lugar rápidamente deje de resultar tan idílico...

Crítica:

Por último, una de las películas más extrañás del festival, The Island. Comienza de una forma normal, algo típica de este cine alternativo, pero cuando ya la historia principal muere da un giro completamente insospechado que deja descolocado a cualquiera que la ve. Con unos actores horrorosos, y un tanto avergonzantes, la película te adormece hasta casi hacerte cerrar los ojos, para volver a abrirlos de incredulidad. Premio al guión más rebuscado.

Alberto del Castillo

SEFF´11 / Día 5: 107.Blue bird - 108.Holidays by the sea - 109.Le Havre

2011-11-10T07:04:00.000-08:00

DÍA 5

Empezamos con el IV Premio Europeo de Cine Universidad de Sevilla, una selección de los cortos que fueron seleccionados para el certamen tanto en la categoría de ficción como en la de no ficción.

Ante lo que podría parecer a primera vista, no se trataba en absoluto de cortos amateur, sino que la calidad profesional de las obras sorprendía. En los tres cortos de ficción proyectados destacaba Matador On The Road, un divertido corto de un torero que viaja a Estados Unidos y tiene un percance con el coche que lo lleva. En general, buenos cortos para un público escasísimo y unas proyecciones con problemas técnicos, pues no se podía ver el formato completo.

107 - Blue Bird (Gust van den Berghe)

Sinopsis

Una mañana, Bafiokadié y su hermana Téné, dos niños africanos, dejan el poblado. Solo tienen una idea: encontrar el pájaro azul que han perdido antes de que acabe el día. Pero durante su búsqueda encontrarán mucho más. Hablarán con sus abuelos fallecidos, lucharán contra el ‘Alma del Bosque’, y el ‘Jefe de los Placeres’ les dará una lección. Todos les cuentan historias acerca de la vida y de la muerte, pero solo quieren encontrar al pájaro azul. Su búsqueda es mucho más que un juego. Y ese día, Bafiokadié y Téné perderán al pájaro azul para siempre. Al final del largo viaje, los hermanos penetrarán en el futuro y conocerán a algunos niños aún no nacidos.Maravillados ante este descubrimiento, volverán a casa después de haber recorrido el camino hacia la madurez. El mundo jamás volverá a ser el mismo.

Crítica

No estaba previsto, pero entre el hueco de la selección de cortos y la siguiente, Holidays By The Sea, entramos en Blue Bird, una película de la sección oficial que narra la pérdida de la niñez de dos niños en una película cargada de simbolismo. Posteriormente, el director explicaba a la audiencia que había querido hacer una película muy simbólica, en la que cada elemento tiene un significado particular, pero que el espectador ha de descubrir por si mismo. Es por ello que en muchas ocasiones se pierde el significado de la película. Recordando de manera muy lejana a Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas, la película se divide en episodios en los que los niños visitan a sus abuelos ya fallecidos, entre otras situaciones. La película está pasada por un filtro azul que llega a saturar. Según el director, quería transmitir el mundo tal y como lo ven los niños. Una película interesante, sobre todo.

108 – Holidays by the sea (Pascal Rabaté)

Sinopsis

Por fin han llegado las vacaciones y todo el mundo se va a la costa. Dos jubilados en un vehículo muy lento tirando de una minúscula caravana se cruzan con una pareja punki muy enamorada que vive en una casa dibujada en la arena. Dos impostores juegan al golf delante de un cortejo fúnebre. Un vendedor de paraguas se cita con su amante en un hotel y la vida de dos parejas infelices cambia radicalmente a causa de una cometa extraviada. Unas vacaciones cerca del mar siempre albergan extraños encuentros. La película es un homenaje a la famosa ‘Las vacaciones del señor Hulot’, de Jacques Tati.

Crítica

La siguiente, de nuevo de la sección oficial, es la peor película hasta el momento de lo que llevamos de festival. Una comedia sin ningún diálogo, a modo de película muda. El director quería decirlo todo sin palabras. Distintas parejas se encuentran en un abandonado pueblo de playa y por las cosas que suelen pasar, se ven envueltos en situaciones que pretenden ser hilarantes, aunque la película incite al tedio absoluto. Las situaciones se ven extremadamente forzadas sin diálogos, la acción lo necesitan, y aunque los actores estén bien, nada salva a la película. Muy a evitar.

109 – Le Havre (Aki Kaurismaki)

Sinopsis

Marcel Marx, antiguo escritor y bohemio famoso, se ha exiliado voluntariamente en la ciudad portuaria de Le Havre donde su trabajo honorable pero no lucrativo de limpiabotas le hace sentirse más cerca de la gente por estar a su servicio. Ha aceptado renunciar a su ambición literaria y lleva una vida satisfactoria en el triángulo formado por el bar de la esquina, su trabajo y su mujer Arletty, cuando de repente el destino hace que se cruce en su camino un niño inmigrante originario del África negra. Cuando en ese momento Arletty cae gravemente enferma y debe guardar cama, Marcel debe luchar contra el frío muro de la indiferencia humana armado únicamente con su optimismo innato y la obstinada solidaridad de los habitantes de su barrio. Se enfrenta a la mecánica ciega de un Estado de derecho occidental, representado por el cerco policial que se estrecha sobre el joven refugiado. Es hora de que Marcel saque brillo a sus zapatos y muestre los dientes.

Crítica

Por último, llegaba el turno a la vuelta de Aki Kaurismaki, con su película El Havre. Localizada en la costa del norte de Francia, un limpiabotas se encuentra con un niño inmigrante ilegal que busca la policía, tras un primer encuentro, lo cobija y intenta ayudarle llegar a Londres. La trama de la película, aunque pueda parecer un drama duro, se desarrolla en forma de comedia, con unos diálogos hilarantes y unos actores estupendos. Al fin algo de luz en un festival que está siendo dominado por el drama. Una de las películas más destacadas de todos estos días, a su vez. El cameo del mítico Jean Pierre Leaud, ya muy desmejorado, es la guinda perfecta a un gran filme. No se lo pierdan.

Alberto del Castillo

SEFF´11 / Día 4: 104.Heart's Boomerang - 105.Si no nosotros,¿quién? - 106.Oslo, 31.August

2011-11-08T05:27:00.000-08:00

En este cuarto día de festival, al fin vemos películas de la sección oficial, que está formada por 16 películas. Las dos que hemos visto han demostrado tener nivel suficiente para competir por el premio a mejor película. La última película del día, también ha mantenido el alto listón de un día bastante interesante.

104 - Heart's Boomerang (Nikolay Khomeriki)

Sinopsis:

Kostya tiene 23 años y trabaja como ayudante del mecánico jefe en el metro. Un día va al médico a hacerse una revisión y le dicen que tiene el corazón mal: debe cambiar de estilo de vida y de trabajo. Kostya decide no decírselo a nadie. Examina la vida que ha llevado hasta ahora y descubre que su madre es su única fuente de estabilidad. No sabe cómo comunicarse con otras personas y tampoco sabe en qué dirección va su relación con su novia. Intenta vivir como siempre ha hecho, pero cada vez piensa más en el auténtico sentido de la vida. Los planos hipnóticos de los trenes pasando por los túneles parecen reflejar el estado mental de un hombre obligado a hacerse responsable de su vida.

Crítica:

Heart´s Boomerang es la primera película rusa de lo que llevamos de festival que de verdad parece rusa.

Hasta el momento, en las que habíamos visto lucía el sol, la gente salía a la calle y no mostraba lo verdaderamente cerrada que era la sociedad rusa. Heart´s Boomerang va directo a ello. Paisajes helados, imágenes frías y la soledad completa del protagonista, están perfectamente transmitidos a través de planos largos y pacientes. La película, rodada en blanco y negro y en invierno, nos cuenta la historia de un trabajador del metro de Moscú al que le diagnostican una enfermedad en el corazón difícil de operar. La noticia es un shock para el protagonista, que decide mantener en secreto su enfermedad.

105 - Si no nosotros, ¿quién? (Andres Veiel)

Sinopsis:

A principios de los sesenta, Bernward Vesper y su compañera de universidad Gudrun Ensslin viven una apasionada historia de amor en la sofocante atmósfera de la Alemania Occidental de provincias. Muy sensibles a la inquietud de la época, la pareja se pregunta acerca del papel que tuvieron sus respectivos padres durante el Tercer Reich. Creen profundamente en el poder de la palabra escrita y fundan una editorial dedicada a publicar trabajos políticos controvertidos. Pero su descontento con el mundo que les rodea influye en su relación. A finales de los sesenta, Gudrun se une a la causa del rebelde Andreas Baader, y Bernward arriesga su salud mental tomando drogas psicodélicas en un intento de escribir la novela que cambiará el mundo.

Crítica:

La segunda, también de la sección oficial, es una de las películas más sólidas que hemos podido ver en el festival hasta el momento. Basada en hechos reales y ambientada en la Alemania de los años sesenta, cuando los hijos de los antiguos nazis se han hecho mayores y los tabúes en torno a la guerra ya están completamente formados. Los dos protagonistas crean una editorial en el que publicar libros del padre del protagonista Bernward, que colaboró activamente con los nazis y escribió libros alabando a Hitler. En la primera parte, la película las prohibiciones por publicar obras vinculadas a los nazis, los escritores que no se exiliaron fueron vetados. La segunda, más adentrada en la ocupación estadounidense muestra como los protagonistas van entrando en la lucha antiamericana. La película se va dividiendo en lo que podríamos llamar capítulos por medio de imágenes de archivo de sucesos históricos. Hace referencia en varias ocasiones a Hans Henny Jahnn, autor al que tenía bastantes ganas de leer, lo que no hace sino aumentarlas.

106 - Oslo, 31. August (Joachim Trier)

Sinopsis:

Anders esta a punto de terminar una rehabilitacion por drogas en el campo. Como parte del programa, se le autoriza ir a la ciudad para una entrevista de trabajo. Pero aprovecha el permiso para pasear y visitar a gente a la que hace mucho que no ve. Anders tiene 35 anos, es inteligente, apuesto y de buena familia, pero le torturan todas las oportunidades que ha echado a perder, todas las personas a las que ha defraudado. A pesar de ser joven, siente que su vida se ha acabado. Durante lo que queda de dia y la larga noche, los fantasmas de errores pasados lucharan con la posibilidad del amor, la oportunidad de una nueva vida y la esperanza de ver un futuro al dia siguiente.

Crítica:

Por último, Oslo, August 31st que fue muy bien recibida el día anterior. Una historia de un yonki noruego rehabilitado que abandona el centro de rehabilitación para asistir a una entrevista de trabajo y contacta con antiguos amigos y familia. De nuevo una historia dura, pues en el festival domina el género dramático, que logra enganchar al espectador. Una buena forma de tratar el tema de la rehabilitación, y todo el rechazo hacia los drogadictos, pues para el protagonista todo se le va haciendo cada vez más difícil y complicado. Un buen cierra para un buen día de películas. Mañana más.

Alberto del Castillo

(SEFF´11. Día 3) 100. "Everybody dies but me" - 101." As id I'm not there" - 102. "Mothers" - 103. "Tilva Rosh"

2011-11-07T07:15:00.000-08:00

El tercer día fue intenso, cuatro películas que no destacan especialmente. Todas tienen sus puntos originales, pero no son nada del otro mundo. Por un lado, dos películas de adolescentes y por otro, dos dramones. Es curioso que tres de las películas (menos la primera, que es rusa) son de los Balcanes: Macedonia y Serbia. A pesar de que cinematográficamente sean diferentes.

100 - Everybody dies but me (Valeriya Gai Germanika)

Sinopsis:

Katya, Vika y Zhanna son tres adolescentes que viven en un barrio obrero muy deteriorado no lejos de Moscú. Katya aguanta las brutales palizas de su padre. Vika suele ser el blanco de un grupo de chicas bullies. Zhanna tiene bruscos cambios de humor y ha intentado suicidarse. Después de insultar a un profesor, Katya se larga dando un portazo y decide fugarse con la esperanza de dejar para siempre a su disfuncional familia. El director del instituto da un ultimátum a Vika y a Zhanna: si no convencen a Katya para que vuelva y acepte el castigo, los alumnos se quedarán sin el tan esperado baile.

Crítica:

Comenzamos con Everybody Dies But Me, una película rusa que gira en torno a tres amigas y la fiesta final de curso. En su favor hay que destacar que no es un planteamiento hollywoodiense, la historia podría suceder de verdad, y es creíble. Explora la amistad adolescente, con sus traiciones y sus momentos, también la represión por parte de los padres, y el clima cerrado de los institutos. Es una película dura, el espectador asiste a todo lo malo que puede pasarles a estas tres chicas. Por otro lado, el uso excesivo de los primeros planos, y la agitación de la cámara, que se mueve constantemente, siguiendo cada paso que dan las chicas, acaba agotando. De forma lejana, es un poco lo que hacen los hermanos Dardenne, aunque por supuesto, la película no tiene nada que ver con ellos.

101 - As if I'm not there (Juanita Wilson)

Sinopsis:

‘As If I Am Not There’ es la historia de una joven afincada en Sarajevo cuya vida se hace añicos el día que un joven soldado entra en su piso y le dice que recoja sus cosas. Ella y otras mujeres de la pequeña ciudad son encerradas en un almacén en una remota región de Bosnia. No tarda en aprender las reglas de un campo de detención. Pero la verdadera pesadilla empieza el día que la escogen para “entretener” a los soldados. Despojada de todo lo que tenía y bajo una constante amenaza de muerte, lucha contra el odio que ve a su alrededor. En un último gesto de valor y locura, decide atreverse a ser ella misma. Esa idea la salvará. Entiende que la supervivencia significa más que seguir viva y deberá tomar una decisión que cambiará su vida para siempre.

Crítica:

La segunda, que forma parte de la sección Eurimages, una sección que el día anterior nos dejó con la mejor película de estos tres días, prometía. Y así fue durante los primeros instantes, imágenes bonitas, una historia que se iba desarrollando con precisión, hasta que acabó estancándose. De repente, toda la acción se para, y acaba en el mismo sitio, repitiéndose y siendo poco verosímil. As If I´m Not There trata el tema de la guerra de Yugoslavia, un tema que no ha sido muy tratado en cine. Las protagonistas, todas mujeres son tratadas como esclavas sexuales y no parece posible que puedan terminar con su situación. La película tiene algunos puntos que no terminan de cuadrar, y ciertos tópicos que rompen la buena línea que seguía la película, como el tema de que el maquillaje haga a una mujer. Al final se quedó en algo olvidable.

102 - Mothers (Milcho Manchevski)

Sinopsis:

Dos ninas de nueve anos denuncian a un exhibicionista a pesar de que nunca le han visto. Tres cineastas conocen a los dos unicos habitantes de un pueblo abandonado: un hermano y una hermana de avanzada edad que llevan 16 anos sin dirigirse la palabra. Varias mujeres de la limpieza jubiladas aparecen violadas y estranguladas en una pequena ciudad. Arrestan a un periodista que escribe acerca de los asesinatos. La ficcion se convierte en documental. ‘Mothers’ hace hincapie en el delicado equilibrio entre realidad y ficcion, drama y documental, convirtiendose en una reflexión sobre la naturaleza de la verdad. Evitando las reglas de la narrativa, la película obliga al espectador a hacer frente a sus propias definiciones de la realidad fílmica a medida que la estructura de la pelicula se transforma en parte de su mensaje.

Crítica:

Un poco saturado de dos películas duras y densas y con el inconveniente de tener que sentarnos en tercera fila, pues casi todas las películas están llenas de público, empezaba la tercera del día, Mothers. El filme se divide en tres partes, un corto, un mediometraje y un documental. El corto deja frío. El mediometraje se centra en retratar el aspecto más pintoresco de Macedonia, así como la soledad y la dura vida de los pueblos abandonados en los que queda poca gente viviendo. Por último, el documental era lo más interesante de la película, trata los hechos que sacudieron la ciudad de asesinatos y violaciones de mujeres mayores, recoge los testimonios sobrecogedores de familiares y investigadores de los casos. El punto negativo es que no llego a comprender la relación entre las tres historias, demasiado distantes como para encontrarles puntos comunes.

103 - Tilva Rosh (Nikola Lezaic)

Sinopsis:

En Bor, Serbia, hubo la mayor mina de cobre de Europa, pero ahora solo es el mayor agujero de Europa. Toda y Stefan son grandes amigos. Se pasan el verano, después de graduarse en el instituto, patinando en la mina abandonada y rodando videos al estilo ‘Jackass’. La presencia de Dunja, otra amiga que ahora vive en Francia y que ha regresado para las vacaciones de verano, hace que los chicos compitan entre si, poniendo a prueba la amistad que les une. La relacion se hace mas tensa: Stefan se prepara para ir a la Universidad en Belgrado, pero Toda insiste en que no iria aunque tuviera dinero para hacerlo. Entretanto, las manifestaciones sindicales en la ciudad aumentan y los dos chicos vuelven a unirse por una causa comun.

Crítica:

Por último, terminaba el día con Tilva Rosh, una película caótica con la que por momentos llegaba a ser difícil conectar. La película sigue las vidas un tanto vacías de un grupo de skaters adolescentes que a veces juegan a Jackass, las distintas partes de la película están divididas en videos de ellos infringiéndose dolor gratuito, que llegan a ser altamente desagradables, como atravesarse con agujas los lados de la boca o la nariz, o tirándose desde lugares altos y abriéndose la cabeza. Ese es otro de los puntos un tanto epatantes de la película, el alternar grabaciones con cámaras de video amateur con el resto del metraje. Otro de los problemas es una aparente falta de acción narrativa, van sucediendo acontecimientos, sin que parezca que la acción va progresando, sino que más bien hay un estancamiento, el mismo en el que parecen vivir los protagonistas. El goteo constante de público de una sala bastante vacía ya es una muestra de que la película no era nada especial, la conclusión final de este tercer día.

Alberto del Castillo

ANIVERSARIO 100 PELÍCULAS CRITICADAS

2011-11-06T13:06:00.000-08:00

Antes del discurso emotivo, celebrando que llegamos a las 100 películas criticadas, adjuntamos las 24 portadas de las películas que se eligieron (mediante el evento del Facebook) para comentar antes de llegar a las 200 críticas.

En dicho evento os preguntábamos cuál era vuestra película favorita. Pues bien, como era lógico, las más votadas no fueron las elegidas, sino las siguientes:

Amelie
Alguienvolósobrelenidodelcuco
HaroldyMaude
Elreyleón
AnnieHall
BailarenlaOscuridad
Cabaret
Desayunocondiamantes
Eduardomanostijeras
Elpianista
Olvídatedemí
PesadillaantesdeNavidad
Therockyhorrorpictureshow

Sin embargo, elegimos las siguientes para criticar, por ver cine de todo el mundo, sobretodo europeo, habiendo sólo 5 norteamericanas, y por querer reunir la mayor variedad de estilos diferentes (aparecen por orden según la foto de arriba):

-Happy together
-Thirst
-¿Qué fue de Baby Jane?
-El círculo rojo
-Muerte de un ciclista
-Noche y niebla
¿Quién puede matar a un niño?
-El gran dictador
-Crimen y Castigo
-El extraño viaje
-Los santos inocentes
-Melancholia
-La gran comilona
-Arsénico por compasión
-Blow up
-Funny Games
-Adiós a la concubina
-El verdugo
-Cinema paradiso
-La cinta blanca
-Los puentes de Madison
-Posesión
-Terriblemente feliz
-El hotel del millón de dólares

Porque 100 es un número bonito, redondo, y que causa satisfacción. Hace alrededor de un año, tras hacer las primeras críticas, Hitchcockeravegetariano se quedó abandonado durante unos meses... largos meses.

No veíamos que tuviéramos un gran público, y era un esfuerzo tonto. Entonces sólo se podía pensar en el núm. 100 como un imposible, y no como algo factible. Sin embargo, decidimos continuar, ya no para el público (aunque sería absurdo menospreciar a este, que es el mayor sostén del blog) sino para nosotros. Cuanto más cariño pusiéramos en el blog, más portadas nuevas querríamos buscar, e investigar sobre los autores, y más películas-estrenos veeríamos. También decidimos participar en Filmaffinity, y empaparnos así del séptimo arte. Y así fue como lo conseguimos: 100 películas nuevas, y con ellas nuevos directores, actores, países,...

Antes de terminar con los agradecimientos, decir brevemente que además de estas 24 películas elegidas, seguiremos con nuestros proyectos ya presentados, como son:

        *La crítica y publicación de todos los cortometrajes del director checo Jan Svankmajer, de forma   cronológica.

        *El seguimiento del festival de cine europeo de Sevilla,con tres películas elegidas/criticadas al día.

        *Nuestros ciclos temáticos pendientes: "I ciclo de cine erótico", "II ciclo de cine alemán", "ciclo Werner Herzog & Kinski"

Ahora sí, gracias a David y a Alberto, hemisferios de Hitchcock; (sobretodo) a Antonio López y a Javier Blanco, los ojos, siendo los más seguidores, y más cinéfilos; a Juanra, quien aún desde Holanda hace sus intervenciones, el bazo; a Natalia, quien ayudó mucho al comienzo (y esperemos siga ^^), columna vertebral; a Marina, Pupe, Óscar, quienes esperamos vuelvan a la carga, piernas del vegetariano; a Andrés, Enrique, Draco, José García, sus manos... quienes más ludópatas resultaron con nuestros acertijos, y por supuesto, a todos aquellos que alguna vez nos leyeron, y a aquellos que participaron en las críticas conjuntas, encuestas, o en los eventos del Facebook, pequeños vegetarianos del séptimo arte.

Hasta los 200 pues!

Hitchcock