Enero es... Almodóvar

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130 - La dama de hierro (Phyllida Lloyd)

  
Sinopsis

La Dama de Hierro cuenta la apasionante historia de Margaret Thatcher, una mujer que rompió todas las barreras de género y clase para ser escuchada en un mundo dominado por hombres. La historia trata sobre el poder y el precio que se paga por él, en un retrato sorprendente e íntimo de una mujer extraordinaria y compleja.

Crítica


La controvertida figura de la conservadora Margareth Thatcher se queda coja, pero su adaptación al cuerpo de la actriz y el retrato de su demencia sobresale.

Es interesante la narración partiendo de su última etapa (actual, por cierto) acosada por los viejos recuerdos, que sirven de reminiscencia  para transportarnos mediante ellos a sus "grandes éxitos y no tan éxitos".



El que se hayan incluido vídeos reales de la ex primera ministra (aunque siempre de espaldas), es un punto a su favor, junto a imágenes del bombardeo, de las manifestaciones, y la inclusión musical de algunos temas que en el momento diversos grupos ingleses dedicaron a su figura (aunque también nos parece injusto, que solo salgan los temas en su favor, y no aquellos que no la respaldaban y que fueron también muy sonados).

Aquí llega el momento álgido de la crítica: Meryl Streep. Es increíble como esta mujer se ha ido apdaptando durante su carrera a tantos y diversos papeles, destacando este por su complejidad y riesgo. No creemos que se trate de una caricatura; no vemos momentos risibles, patéticos, o que induzcan a una risa sardónica. La caracterizacion es magnífica, tanto, que a veces la perfección de sus arrugas superaban al guión.



Así, el único y eficiente reclamo del film tiene nombre propio, en este caso la de los puentes.


Y sobre la música, como ya quedó dicho en la crítica de Moon, coger el mismo tema para el tráiler principal para dos películas totalmente diferentes, no es "nuestra taza de té".

Por último, respetco al guión, hemos de decir que, aunque la película quiera ser neutral, dejando aparte de crítica la buena recreacion de su demencia y la empatia que con ello conlleva, creemos que se inclina un poco mas hacia el elogio de su politica en lugar de resaltar mas su decadencia.




Además, que no entra demasiado en temas políticos, al menos no indaga en ellos. Creemos que hubiera sido mas interesante un biopic totalmente objetivo, o más subjetivo, que analizara más, aun posicionándose en un lado político determinado. Sin embargo, tampoco lo consideramos un biopic fracasado. Un seis para la de Mamma Mía.

God save the Meryl

David Uclés y Alberto del Castillo



129 - Moon (Duncan Jones)



Sinopsis

Un futuro no muy lejano. Un astronauta (Sam Rockwell) vive aislado durante tres años en una excavación minera de la Luna. Cuando su contrato está a punto de expirar, descubre un terrible secreto que le concierne.

Crítica

Cuando supe que el hijo de David Bowie se había estrenado en este mundillo con una película casi sin presupuesto y sobre ciencia ficción, no me atrajo demasiado el verla. Sin embargo, tras ser premiada en Sitges, festival al cual cada vez más le sigo la pista, por su originalidad/versatilidad en sus premios, y gustándome la ciencia ficción, sobre todo la que transcurre en el espacio, decidí verla. 


Fue de lo mejor que pude hacer este año, aunque no date de 2011. Quizás con la que más disfruté de todas las que vi. Toda una perla que no deberían perderse los seguidores de este arte ficticio (además de intentar seguirle la pista al novel director, quien quiere hacer una precuela y secuela a esta).

Mantiene el riguroso minimalismo en escena y ambientación que por ejemplo la afamada Solaris, junto con la intriga de Sunshine (una blockbuster que me encantó).


La doble actuación del personaje principal (interpretado por Sam Rockwell) convence del todo, llegando a poder imaginarse a ambos personajes como personas totalmente distintas, no sólo en su personalidad, sino también en su estética y manera de moverse.  

El que la cinta no sobrepásela hora y media se agradece, pues no hay abuso de escenas absurdas ni de efectismo tonto y de derroche; únicamente hay acción simple, comprensiva, ágil e interesante. Conforme va avanzando el film, la intriga va subiendo, hasta que se llega a la comprensión de lo que realmente sucede, y su desenlace.


Respecto a la música, genial la canción principal de Clint Mansell, aunque es una pena que también fuera usada para el Trailer del biopic de Thatcher. Hay temas que sólo deberían poder asociarse a una película, y no mezclar ambientaciones.

A pesar de no tener un final abierto, que sí principio, aplaudo la idea de querer hacer además de una precuela, su secuela; lo espero con ansia.

David Uclés

128 - La habitación del hijo (Nanni Moretti)


Sinopsis:

En una pequeña ciudad del Norte de Italia, vive apaciblemente una familia formada por los padres (Giovanni y Paola) y dos hijos adolescentes: Irene, la mayor, y Andrea, el pequeño. Giovanni es psicoanalista. En su consulta, situada al lado de su apartamento, sus pacientes le confían sus neurosis, que contrastan con la calma de su propia existencia. Su vida se rige por una serie de costumbres o aficiones: leer, escuchar música, aislarse y agotarse haciendo largas carreras por la ciudad. Un domingo por la mañana, un paciente llama a Giovanni por una urgencia. No puede salir a correr con su hijo tal y como le había propuesto; Andrea sale a bucear con sus amigos, pero no volverá.

Crítica:

Lo malo de los premios es que te condicionan a veces tanto o más que una buena reseña; que esta película ganara la palma de oro y el premio FIPRESCI tuvo dos consecuencias claras: que viera la película, puesto que ni el argumento ni el tráiler me atraían demasiado, y que temiera no ser objetivo y no poder defender una crítica negativa sin contemplaciones (tener voz propia).


Al final me gustó la película, y no tuve que enfrentarme a absurdas defensas de porqué me parece algo malo cuando ha ganado en Cannes. Sin embargo, siento que algo le faltaba para ser una obra maestra, aunque de verdad que no sé qué es…  Por ello, me gustaría intentar dedicar esta crítica al porqué Moretti en vez de quedarse con mi 10, se quedó con mi 8.

Para empezar, supongo que yo podría haber quitado un tanto de felicidad a la “familia súper feliz de la muerte”. 

Esa figura del padre que no protege, sino que mima y empalaga, con ese hijo que sonríe incondicionalmente, aparentemente falto de personalidad y de, digamos “vidilla”… No sé, la ambientación de la familia me parece demasiado “Cuéntame”. Quizás existan familias así; pero como no es mi caso, quizás por ello no sentí demasiada cercanía a ellos, me refiero antes del drama, claro.



Después del drama mi empatía aumenta, y me veo más reflejado. Es entonces cuando la película más me interesa, cuando en la figura del padre (quien por cierto es el propio director quien hace de actor principal a la vez, lo cual aplaudo y felicito) comienza a verse la ausencia de su hijo, el desequilibrio de su familia.

En esto me emocionó la película, a partir del fallecimiento. Creo que después de Up, ninguna me había entristecido a tan pocos minutos de haber empezado.

Por otro lado, la fotografía es más blanquecina e insulsa que la misma cara de Moretti. No es horrible, es insulsa. Supongo que fue esa su intención, pues quería transmitir naturalidad, lo cual consigue estupendamente, llegándome a creer los vínculos entre los familiares, como si estuviera viendo una serie donde ya los conociese de antemano (a pesar de que se trate de un modelo de familia lejano al mío). Sin embargo, mi cine favorito es aquel donde la imagen juega un papel fundamental; y en este caso, es puro albedrío.


Mención aparte el jugoso humor negro con que Moretti crea algunas escenas, y desarrolla a su personaje, además de los grotescos personajes que acuden a su terapia. En ese sentido a veces me hizo soltar la carcajada (como en la escena en la iglesia), y ansío por ver una comedia suya.

Para terminar, me encuentro con un final algo débil y Miss Sunshine, quitando el que la escena final ocurra en una playa, lo cual me gusta, y le da un cierre bonito a la historia.

En fin, muy buena película, pero que le faltó un poco para el clímax, y no precisamente por la historia, sino por el cómo.

David Uclés

I Premios del blog "Hitchcockeravegetariano" Participad!

Ya están aquí los primeros premios del blog; hemos seleccionado el equipo de críticos aquellas películas que bajo estas categorías más nos impactaron. Nos gustaría que entre todos eligiérais de cada categoría una, esperando con esto sacar la mejor película del 2011, tanto en categoría como individual. Para ello, hemos habilitado un sistema de votación a la izquierda, a modo de encuesta. Muchas gracias,



Mejor película de cine social:















a) Nader y Simin, una separación
b) Le Havre











Mejor película europea:














a) Alps (Grecia)
b) Pina (Alemania)












Mejor película de un director casi-novel:















a) Shame
b) Winter's bone












Mejor película metafísica:













a) El árbol de la vida
b) Melancholia












Mejor película más esperada:













a) Restless
b) La Piel que Habito













Mejor comedia:















a) Beginners
b) Scream 4













Mejor blockbuster: 

 












a) Cisne negro
b) Contagio

127 - La vida de los otros (Florian Henckel von Donnerschmack)


Sinopsis

República Democrática Alemana, año 1984. El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), un hombre solitario, es un competente oficial del servicio de inteligencia y espionaje de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la RDA. Pero, cuando le encomiendan que espíe a la pareja formada por el prestigioso escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedenk), no puede ni siquiera imaginar hasta qué punto esa misión va a influir en su concepción de la vida y del mundo. 

Crítica
Lástima que después de esta maravillosa adaptación cinematográfica, el director volviera cuatro años más tarde con su “The Tourist”, simplona e invertebrada. Sin embargo, este hecho no afecta a esta película ganadora como mejor film extranjero en casi todos los premios del panorama en 2006 (más de 50, entre los se premió tanto la película y el guión, original en este caso, como la actuación de Ulrich).


Y es que además de mantenerse la intriga en cada momento, y despertar el interés por ver en primera persona de qué manera la Stasi desarrollaba sus interrogatorios y procedimientos, y cómo los intelectuales de la época luchaban contra su propia vida para poder denunciar el trato injusto que recibían por el régimen de la RDA, la ambientación hace que todo sea más verosímil y atractivo.

Los periódicos del Frankfurt Allgemeine, o las ediciones de “Der Spiegel” del momento; los coches nada contaminados por la industria americana, la sobriedad en las calles, y el miedo en los ojos de los estudiantes al estar sometidos en una continua censura… el contexto parece perfectamente creado. Tanto es así, que intelectuales que disidieron en su momento, como el cantautor Wolf Biermann, llegaron a  decir que la película era un total reflejo de lo que ellos vivieron.


Además, el despliegue de referencias culturales, como la lectura de una de las obras de Brecht, la escena de la sonata del hombre bueno, la grabación del rodaje en teatros originales del este de Berlín, y las citas de Gorky, Lenin, y Beethoven, con su sonata nº 23 entre otros, hacen de esta película un sabroso bocado cultural.

La interpretación de Ulrich es desmesurada… aguarda en todo momento sus emociones fuera de la percepción del espectador, manteniendo un rostro firme y conciso, el cual emana desconcierto al intentar el espectador averiguar qué camino tomarán sus pasos… Hay dos escenas claves para él en el film; una de ellas cuando escucha la sonata del hombre bueno, y la otra en la escena del ascensor, genuina.


Como anécdota, el equipo de la película no pudo rodar en la antigua prisión de la Stasi, ya que el superior a cargo de la institución alegó que no estaba a favor de colaborar en una historia que nunca ocurrió, ficción, ya que según él, jamás ninguno de sus capitanes ayudó de alguna manera al bando en aquel momento enemigo o sospechoso de disidencia.

Sin más, quienes quieran una historia algo más real e interesante políticamente que la otra muy afamada “Good-bye Lenin”, sobre la caída del muro, y más aún sobre los últimos años de las dos Alemanias (principalmente de la RDA), véanla y disfruten. 

David Uclés

6º Corto (El sueño de Red - John Lasseter)


El tercer corto de Pixar tiene a un monociclo como protagonista, abandonado en una tienda de bicicletas. Nos cuenta un divertido sueño en el que él es la estrella de un espectáculo frente a su dueño. Sigue mostrándonos a un Pixar todavía en idea, como algo pequeño. Las formas son demasiado bruscas y rígidas, y no hay la plasticidad realista que tanto les identifica. Además el monociclo recuerda demasiado a Luxo, el famoso flexo de el corto anterior.

Alberto